Tiere in der Kunst: Von Dürers Feldhase zu Marcs Pferden

Warum Tiere die Kunstgeschichte durchziehen

Tiere gehören zu den ältesten Bildthemen überhaupt, lange bevor es Porträts oder Landschaften als eigene Gattung gab. Schon in mittelalterlichen Handschriften dienten Löwen, Einhörner oder Vögel als Sinnbilder für Tugenden und Laster, in fürstlichen Sammlungen der frühen Neuzeit standen Jagd- und Reitszenen für Macht und Repräsentation. Erst mit der Neuzeit trat daneben ein zweites Interesse: das Tier als eigenständiges Studienobjekt, unabhängig von jeder höheren Bedeutung.

In der Malerei erfüllen Tiere seither ganz unterschiedliche Aufgaben: als Übung für das genaue Sehen, als Träger religiöser oder moralischer Botschaften und, spätestens seit dem frühen 20. Jahrhundert, als Ausdruck innerer Zustände jenseits jeder Naturtreue. Drei Positionen zeigen diese Spannweite besonders deutlich – von der akribischen Naturstudie über das exotische Jagdmotiv bis zur Farbsymbolik der Moderne.

Der forschende Blick: Albrecht Dürer und der Feldhase

Kaum ein Tierbild ist so bekannt wie der Feldhase, den Dürer 1502 in Wasser- und Deckfarben festhielt. Das kleine Blatt entstand nicht als Auftragsarbeit, sondern offenbar aus reiner Beobachtungslust: Dürer kombinierte lasierende und deckende Farbschichten, um Fell, Ohren und die spiegelnden Lichtpunkte im Auge des Tieres in einer für seine Zeit ungewöhnlichen Genauigkeit wiederzugeben. Der Feldhase gehört heute zum Bestand der Albertina in Wien und wird dort wegen seiner Lichtempfindlichkeit nur in größeren Abständen gezeigt.

Diese Genauigkeit ist kein Zufall. Dürer beschäftigte sich zeitlebens mit Proportionen und Naturgesetzen, sei es bei Tieren, Pflanzen oder dem menschlichen Körper. Der Feldhase steht damit für eine Haltung, die das Tier um seiner selbst willen abbildet, ohne zusätzliche Symbolik oder erzählerischen Rahmen. Gerade diese Zurückhaltung macht das Blatt bis heute zu einem Maßstab für naturgetreue Tierdarstellung.

Farbe statt Fell: Franz Marc und seine Tiere

Vier Jahrhunderte später kehrte sich dieses Prinzip bei Franz Marc fast vollständig um. Für ihn war die naturgetreue Farbe eines Tieres uninteressant, seine persönliche Farbenlehre folgte stattdessen einem Bedeutungssystem: Blau stand für das Männliche und Geistige, Gelb für Sanftheit und Fröhlichkeit, Rot für das Schwere und Bedrohliche. Im „Blauen Pferd I“ von 1911, heute im Lenbachhaus in München, wird ein Fohlen so zum Träger eines seelischen Zustands, nicht zum Abbild eines realen Tieres.

Noch deutlicher zeigt sich das in „Die gelbe Kuh“, ebenfalls 1911 entstanden und heute im Guggenheim Museum in New York zu sehen. Das Tier springt in einem gelben Bogen quer über die Leinwand, eine Farbe, die Marc mit Heiterkeit und – nach eigener Aussage – mit dem Weiblichen verband. Ein Jahr später, 1912, zerlegte er im „Tiger“ den geduckten Körper der Raubkatze in scharfkantige, fast kristalline Flächen und näherte sich damit kubistischen Formideen an, ohne die Spannung des Tieres zu verlieren.

Zwei Wege, ein Thema

Dürers Feldhase und Marcs Tiere trennen fast genau vierhundert Jahre, aber auch zwei grundverschiedene Fragen an das Motiv Tier: Wie sieht es wirklich aus – und wofür kann es stehen? Wer beide Positionen im eigenen Zuhause nebeneinander hängt, macht diesen Wandel unmittelbar sichtbar, ohne ein Wort dazu sagen zu müssen. Interessant ist dabei, dass beide Künstler von einer genauen Beobachtung der Tierwelt ausgingen: Marc besuchte regelmäßig zoologische Gärten und zeichnete dort nach der Natur, bevor er die beobachteten Formen in seine eigene Farbsprache übersetzte. Der Unterschied liegt also nicht im Ausgangspunkt, sondern in dem, was am Ende auf der Leinwand zählt.

Exotik und Bewegung: Eugène Delacroix auf der Jagd

Eine dritte Spielart liefert Eugène Delacroix. Nach einer diplomatischen Reise nach Marokko im Jahr 1832 wurde die nordafrikanische Welt für ihn zu einem festen Motivkreis aus Reitern, Interieurs und Jagdszenen. In der „Löwenjagd in Marokko“ von 1854, die sich heute in der Eremitage in Sankt Petersburg befindet, ringen Reiter, Pferde und Löwen in einer aufgewühlten, diagonal angelegten Komposition miteinander. Anders als bei Dürer geht es hier nicht um das einzelne Tier, sondern um Dramatik: Farbe und Bewegung sollen den Betrachter unmittelbar in das Getümmel hineinziehen.

Delacroix' Zugriff steht damit zwischen den beiden anderen Positionen. Das Tier bleibt erkennbar und anatomisch plausibel, wird aber vor allem als Träger von Spannung und Kraft eingesetzt – ein Gedanke, den Marc rund sechzig Jahre später konsequent weiterdachte, nur eben ohne jede erzählerische Szene. Kunsthistorisch wird Delacroix meist als Gegenpol zu den strengen, linienbetonten Klassizisten seiner Zeit gesehen: Ihm ging es um den Farbklang eines Motivs, nicht um die exakte Kontur, und gerade das erlaubte es ihm, ein wildes Gerangel aus Menschen und Tieren glaubhaft in Bewegung zu versetzen.

Auch die Wahl des Sujets war eine bewusste Entscheidung. Für die Pariser Kunstwelt des frühen 19. Jahrhunderts galt Nordafrika als ferner, kaum bereister Schauplatz, und Delacroix nutzte diese Fremdheit, um seinen Bildern eine zusätzliche Spannung zu geben, die klassische Historienmalerei mit ihren griechischen und römischen Stoffen so nicht bieten konnte.

Tiermotive für Ihre Wand

Die Tierbilder von Dürer, Marc und Delacroix hängen in Museen. Die Frage dahinter gilt aber für jedes Tierbild: Soll es genau beobachten oder mit Farbe erzählen? In unseren Tierbildern finden Sie beides: fotorealistische Motive, die Fell, Federn und Blick bis ins Detail zeigen, und Illustrationen, die wie Marcs Pferde mit kräftigen Farbflächen arbeiten. Viele der fotorealistischen Motive sind KI-generiert, das steht auf der Produktseite.

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• Farbe und Grafik: Pferde im Pop-Art-Stil, Chamäleon und Tukan bringen Energie ins Wohnzimmer oder Kinderzimmer. Hahnemühle FineArt Baryta macht die Farben satter.
• Katzen: Porträts in Farbe und in Schwarz-Weiß finden Sie unter Katzen.
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Wie Papier, Tinte und Glas zusammenspielen, erklärt unser Beitrag zum Fine-Art-Druck.