Gärten und Blumen in der Kunst: Monet, Klimt und Macke

Gärten als Bildthema: mehr als ein hübscher Hintergrund

Ein Garten ist für viele Maler kein bloßer Schauplatz, sondern ein selbst gestalteter Ausschnitt der Natur – angelegt, gepflegt und damit schon vor dem ersten Pinselstrich mitgeformt. Das unterscheidet Garten- und Blumenbilder von freier Landschaft: Wer einen Garten malt, zeigt zugleich, wie er selbst die Natur ordnen würde. Drei Beispiele aus unterschiedlichen Jahrzehnten zeigen, wie verschieden dieser Gedanke ausfallen kann – vom impressionistischen Wasserspiel über die flächige Blumenwiese bis zur stillen Schweizer Seenlandschaft.

Der eigene Garten als Lebenswerk: Claude Monet

Niemand hat sein Verhältnis zum Garten so konsequent gelebt wie Claude Monet. In Giverny legte er über Jahrzehnte einen Wassergarten an, den er anschließend selbst immer wieder malte – Gärtner und Maler in einer Person. Die 1899 entstandene „Japanische Fußbrücke“ zeigt genau diese nach japanischem Vorbild errichtete Brücke über seinen Seerosenteich, umrahmt von Weiden und dichtem Grün. Anders als bei einer zufällig vorgefundenen Landschaft wusste Monet bei diesem Motiv genau, welche Pflanzen wo standen und welches Licht zu welcher Tageszeit auf das Wasser fiel, weil er die Anlage selbst geplant hatte.

Dieses enge Verhältnis zwischen Gestalten und Malen erklärt auch, warum Monet den Garten in seinen letzten Lebensjahrzehnten kaum noch verließ. Der Seerosenteich wurde zum wiederkehrenden Motiv, das er unter wechselndem Licht immer neu untersuchte, ganz ähnlich wie er es zuvor mit Heuhaufen oder der Kathedrale von Rouen getan hatte – nur dass hier die Landschaft selbst sein eigenes Werk war.

Dieses Interesse am wechselnden Licht über einem festen Motiv gehört zu den Grundideen des Impressionismus, dessen bekanntester Vertreter Monet bis heute ist. Ein Garten eignete sich für diese Untersuchung besonders gut, weil er anders als eine öffentliche Straße oder ein Hafen jederzeit zugänglich war und sich sein Erscheinungsbild dennoch von Stunde zu Stunde veränderte.

Die Blumenwiese als Fläche: Gustav Klimt

Einen ganz anderen Zugang wählte Gustav Klimt. In der „Mohnblumenwiese“ von 1907 bedecken rote Blüten die Leinwand fast bis an den Rand, nur ein schmaler Himmelsstreifen bleibt oben sichtbar. Perspektive und Tiefenraum treten dabei fast vollständig zurück, das Bild wirkt eher wie ein dicht gewebter Teppich aus Farbtupfern als wie ein Ausblick in die Ferne. Klimt wählte für viele seiner Landschaften bewusst das quadratische Format, das den Blick nicht in die Tiefe, sondern über die Fläche wandern lässt.

Diese Flächigkeit war kein Zufall, sondern ein Grundprinzip seiner Kunst, das er auch in Figurenbildern verfolgte: Muster, Ornament und reine Farbwirkung zählen bei ihm oft mehr als die räumliche Illusion. Bei einer Blumenwiese wie dieser lässt sich dieses Prinzip besonders klar nachvollziehen, weil das Motiv selbst schon aus unzähligen einzelnen Farbflecken besteht.

Kunsthistorisch wird Klimt der Wiener Ausprägung von Symbolismus & Jugendstil zugeordnet, einer Richtung, die Ornament und dekorative Fläche bewusst gegen die reine Naturnachahmung stellte. Die Mohnblumenwiese zeigt diese Haltung auch ohne die goldenen Ornamente seiner Porträts: Schon eine gewöhnliche Wiese wird bei ihm zu einem gleichmäßig gemusterten Flächengefüge.

Stille Landschaft in Grün: August Macke am Thuner See

August Macke näherte sich dem Gartenmotiv wieder anders an. Der „Garten am Thuner See“ von 1913 zählt zu seinen wenigen reinen Landschaftsbildern und zeigt die Schweizer Umgebung in ruhigen, ineinanderfließenden Grüntönen ohne die sonst bei ihm häufigen Figuren. Wo Klimt die Fläche betont und Monet das wechselnde Licht studierte, sucht Macke einen weichen Übergang zwischen den Farbfeldern, der die Grenzen zwischen Beet, Rasen und Wasser fast auflöst.

Auch hier zeigt sich, wie unterschiedlich ein scheinbar ähnliches Thema behandelt werden kann. Während Monet den Garten als sein eigenes, über Jahre gepflegtes Projekt begriff, bleibt Mackes See-Ufer ein vorgefundener, kurz besuchter Ort – gemalt mit derselben Ruhe, aber ohne den persönlichen Bezug, den Monet zu seinem Wassergarten hatte.

Entstanden ist das Bild während eines Sommeraufenthalts in der Schweiz, zu einer Zeit, in der Macke bereits erste kubistische und futuristische Formideen in seine Malerei aufnahm. Im Garten am Thuner See tritt diese Tendenz zur geometrischen Vereinfachung jedoch weitgehend zurück, zugunsten einer fast meditativen Ruhe, die sich deutlich von den belebten Straßenszenen seiner Bonner Jahre unterscheidet.

Ein Motiv, das weiterwirkt

Auch außerhalb dieser drei Positionen bleiben Blumen ein wiederkehrendes Thema der Kunstgeschichte, von den Sonnenblumen-Stillleben bis zu botanischen Studien früherer Jahrhunderte. Gerade weil das Motiv so vertraut wirkt, fallen die Unterschiede zwischen den einzelnen künstlerischen Zugängen umso deutlicher auf, sobald man mehrere Werke nebeneinander betrachtet.

Blumen und Gärten für Ihre Wand

Monets Seerosen, Klimts Blumenwiese und Mackes Seeufer zeigen, wie viel Stimmung ein Garten tragen kann. Für die eigene Wand finden Sie bei uns Motive, die denselben Gedanken aufnehmen: Kirschblüten, Krokusse und Tulpen im Frühling, blühende Wiesen vor Bergen und die Lavendelfelder unserer Südfrankreich-Fotografie.

• Farbe abstimmen: Blumenmotive haben meist wenige dominante Töne. Greifen Sie einen davon in Kissen, Vorhang oder Wandfarbe auf, dann wirkt das Bild wie für den Raum gemacht.
• Format: Ein großes Blütenmotiv über dem Sofa wirkt ruhiger als viele kleine. Schmale Flurwände vertragen Hochformate.
• Papier: Zarte Kirschblüten und Pastelltöne kommen auf dem matten Hahnemühle Photo Rag am schönsten zur Geltung, kräftiger Lavendel und rote Tulpen auf FineArt Baryta.
• Rahmen und Glas: Naturholz nimmt Grün- und Erdtöne auf. Entspiegeltes Museumsglas lässt Farben auch am hellen Fenster leuchten.

Mehrere Blumenmotive lassen sich gut zu einer Bilderwand kombinieren. Beispiele zeigen unsere Bilderwand-Ideen.